Jonas Kaufmann ya no canta en la Royal Opera House de Londres, precisamente porque el salario es demasiado bajo. “no se como lo haces”, dijo Tenor recientemente a BBC Radio 3.
En la misma entrevista reveló que ya no se molestaría en cantar en el Metropolitan Opera, aunque se trataba de diferencias ideológicas. Para un cantante como Kaufmann, posiblemente la estrella más grande de toda la ópera, donar dos de los cinco teatros de ópera más importantes del mundo no es sólo una sorpresa. Es catastrófico.
“Lo siento mucho por la próxima generación”, lamentó.
Todo cantante que ha seguido una carrera operística se pregunta si el negocio vale la pena: el dolor de perder compromisos o rechazos, la tensión en la salud vocal, las vacaciones perdidas, los viajes, todo eso.
En el pasado, una idea reconfortante era que si uno pudiera alcanzar los niveles más altos de negocios, todo estaría bien. Y ahora, la cúpula del negocio nos dice que definitivamente no todo está bien.
Cualquiera que preste mucha atención no debería sorprenderse.
“(La ópera) busca la muerte para satisfacer su verdadera necesidad: el renacimiento”, escribió el año pasado el director de escena Yuval Sharon.
Ahora, la autoproclamada “ex soprano” y libretista de ópera Caitlin Vincent dice en su impactante nuevo libro, “Opera Wars” (Simon & Schuster): “Por encima de todo, la ópera misma necesita ser salvada”.
El actual modelo de negocio de la ópera no es realmente actual (en su mayor parte comenzó después de la Segunda Guerra Mundial) y no es realmente un negocio; como me dijo un cantante: “No, no es un negocio. Los negocios generan dinero”.
Básicamente, la ópera es una forma de arte que depende completamente de donaciones. Las principales compañías de ópera obtienen entre el 20% y el 40% de su presupuesto anual a través de la venta de entradas, pero la mayoría de las compañías están muy por debajo de esa marca.
En su libro, Vincent describe algunas de las razones detrás de esto como una serie de conflictos: la batalla entre cantante y director, la batalla entre conservadores y progresistas y, lo más importante, la batalla entre representaciones arcaicas de diferentes culturas y las opiniones siempre cambiantes de audiencias políticamente polarizadas y conscientes de la raza.
La ópera a menudo se considera una forma de arte estática; Una pieza de museo para ser admirada como un momento en el tiempo. Pero, como señala Vincent, Mozart también añadió dos arias a “Las bodas de Fígaro” entre su estreno en 1786 y su remontaje tres años después.
Entonces, ¿qué nos impide modernizar las cosas? ¿Por qué tantas empresas tratan las partituras musicales como escrituras?
“Siempre son los alemanes”, dice mi antiguo mentor Kenneth Cooper, colaborador habitual de las leyendas de la ópera Dietrich Fischer-Dieskau y Joan Sutherland.
Independientemente de quién sea la culpa, Vincent argumenta con justicia que las empresas deberían considerar darle una patada en el trasero a los viejos clientes, pero dentro de ciertos límites. En un ejemplo famoso de ambos Cultura #YoTambién Wild Gone y Opera Rewrite Bad, Festival de Ópera Italiana Maggio Musicale Fiorentino Revirtió el destino de los dos protagonistas. En “Carmen” de Bizet de 2018, el personaje principal apuñala a su ex amante obsesivo, Don José, de una manera diferente.
En “Opera Wars”, Vincent analiza esta elección idiosincrásica y desacredita su justificación de manera bastante convincente. Aunque la controvertida nueva puesta en escena ha provocado que se agoten las entradas, cambiar el destino de los personajes tradicionales de la ópera no es una solución prometedora al aleccionador cálculo de que, como escribe Vincent, entre el 80 y el 85% de los compradores de entradas por primera vez son “una sola vez. Nunca regresan”.
¿Pero por qué? Una pelea entre el director y el cantante sobre si se debe interpolar una nota alta opcional probablemente no desanimará a un miembro de la audiencia primerizo que no sabe la diferencia. La gente puede notar inmediatamente la diferencia en la experiencia, el escenario y la belleza cultural.
Algunos creen que las numerosas representaciones caricaturescas de culturas y personajes no occidentales que hace la ópera son desagradables para el público moderno; Quizás la ópera sea demasiado insensible al momento político actual y necesite cambiar. “Opera Wars” explora esto de una manera sorprendentemente imparcial.
Si bien la mayoría de las personas en el negocio de la ópera están militantemente al frente de todas las causas progresistas, Vincent adopta un enfoque pragmático al basarse en entrevistas de muchos artistas negros y asiáticos. Muchos de los entrevistados lamentaron haber sido encasillados en papeles y óperas que se correlacionan con su origen étnico (por ejemplo, a los directores y cantantes japoneses-estadounidenses sólo se les pide que hagan “Madame Butterfly”).
Lograr un equilibrio de respeto tanto por el material original como por las sensibilidades modernas puede ser todo un desafío para las empresas que intentan apaciguar voces diferentes.
Algunos de estos esfuerzos han dado resultados interesantes. Un antiguo colega mío, un coreano-estadounidense, me habló de una producción reciente de “El rey y yo” en el Seefestspiel de Merbisch. El musical de Rodgers y Hammerstein se desarrolló en Siam (actual Tailandia) con un elenco mayoritariamente de ascendencia asiática. Mientras recorrían la sala con cada miembro del elenco discutiendo sus propios antecedentes, ninguno de los miembros del elenco era tailandés.
¿Es más sensible a las sensibilidades raciales? No me parece.
Como escribió George Shirley en la introducción del excelente libro de Joseph Horowitz, “La profecía de Dvorak: y el destino molesto de la música clásica negra”, publicado en 2021, “si voy a cantar el Duque en Rigoletto, en lo que respecta al lenguaje y el estilo, puedo cantar el Duque. No es necesario ser etíope para cantar ‘Aida’ o ‘Madame Butterfly’. No tiene por qué ser japonés. Tenemos afinidad por algo y nos sentimos atraídos por ello independientemente de su origen. Si nos habla, no hay razón para no seguirlo; no pertenece a ningún individuo o grupo étnico.
Como primer tenor afroamericano en cantar un papel protagónico en la Metropolitan Opera, la opinión de Shirley debería tener el peso adecuado. Pero, en última instancia, lo que ambos bandos de este debate pasan por alto (salvo algunos nombres y personajes) es que las preocupaciones sobre el reparto han demostrado ser nuestra versión de reorganizar las tumbonas en el Titanic, sin importar la filosofía que elijan las compañías.
Invariablemente, la gran “guerra” que debe librar la ópera es su propia relevancia cultural. Seleccionar óperas basándose únicamente en el número de seguidores en las redes sociales o intentar seguir las tendencias políticas o de las redes sociales no ha dado mucho impulso a las empresas.
Muchos de ellos trabajan con compañías de ópera de ritmo glacial que actualmente eligen y planifican temporadas, a menudo con años de antelación. Cuando una producción que espera aprovechar el momento levanta el telón, el momento ya pasó. Como resultado, la ópera ya no tiene ninguna vigencia cultural.
Como me dijo una vez el jefe de la Metropolitan Opera, John Relia: “Significa que has estado allí. ‘Yo estuve allí cuando tal o cual debutó…”. Ya casi ha desaparecido. “
Donde más brilla “Opera Wars”, y donde estoy más de acuerdo con Caitlin Vincent, es en su apasionada defensa de las nuevas óperas. Ser libretista está a la vanguardia de la defensa de nuevas obras y creo que el camino a seguir es alguna combinación de piezas nuevas mezcladas con las favoritas tradicionales.
Pero el negocio de la ópera tiene que empezar con disfrutar asistiendo a la ópera y, como escribe Yuval Sharon: “En una ceremonia que sólo puede entenderse, uno se siente como si fuera la única persona que nunca recibe instrucciones. Todos los demás saben exactamente qué hacer: cuándo aplaudir y, más importante, cuándo no aplaudir”.
Nadie se preocupa por qué ponerse para un espectáculo de Broadway o si van a entender una película en un idioma diferente, pero todavía nos cuesta dar explicaciones en la ópera.
Opera ahora tiene una oportunidad real de convertirse en el verdadero antídoto contra la IA: sin micrófonos, sin amplificadores, solo la voz humana haciendo cosas sobrehumanas. Sólo si la empresa descubre cómo vender adecuadamente ese mensaje a una cultura adicta a los teléfonos inteligentes. Definitivamente es una batalla que vale la pena pelear.
Gideon Dabi es un barítono, profesor de canto privado y escritor radicado en Nueva York.
