Dentro de “es” el diseño de vestuario cerebral y por qué la equidad salarial y la diversidad siguen siendo importantes

A estas alturas, la mayoría de nosotros probablemente hayamos visto Película de Monkeypaw Productions élque se estrenó el 19 de septiembre. Dirigida por Justin Tipping y producida por Jordan Peele, el elenco repleto de estrellas sumergió al público en un vertiginoso thriller psicológico, ambientado en una realidad distópica y centrado en el deporte donde el fútbol y la ambición despiadada son los reyes, a pesar de las repercusiones físicas y emocionales, siendo lo que importa.

Inmediatamente, la audiencia conoce al protagonista de la película, Cameron Cade, un decidido mariscal de campo universitario destinado a la fama y el éxito familiar, pero su camino hacia la transición a la NFL sale mal después de que es atacado por una figura enmascarada. Como resultado, sufre una posible lesión cerebral que pone fin a su carrera y lo deja desorientado pero extrañamente esperanzado, ya que se niega a renunciar a sus sueños. A pesar de la recomendación de su médico de dejar de jugar al fútbol, ​​busca entrenamiento personal de Isaiah White, su ídolo y legendario quarterback, interpretado por Marlon Wayans. Una vez que Cameron llega a la casa de Isaiah, rodeada de kilómetros de terreno desértico, el tono cambia y la película toma un giro extraño y aterrador.

Lo que más me llamó la atención de la película fue el interés visual que generó generosamente. La película se rodó principalmente en Albuquerque, Nuevo México, lo que explica el desolado espacio abierto y el énfasis en los colores neutros como telón de fondo para los fantásticos trajes de los personajes en el set. No se puede negar que los disfraces fueron elegidos meticulosamente y sirvieron como personajes mudos en la película.

Los disfraces realzaron la historia e incluso transmitieron silenciosamente cambios en la trama o el estado de ánimo de los personajes durante las principales transiciones de la vida, así como el inquietante trasfondo del peligro inminente. Todas estas decisiones fueron intencionadas, según la diseñadora de vestuario nominada al Emmy, Dominique Dawson. “Estás intentando crear este universo único, pero no sabes hacia dónde van los personajes. Así que inicialmente, cuando tengo el guión, lo leo y presto atención al tono: ¿Cómo funciona este universo en particular?” me dice vía Zoom. “Si pudiera resumirlo en una palabra, sería psicosis. Realmente queríamos explorar lo que estos atletas pasan. El desgaste físico de sus cuerpos es enorme, pero los constantes golpes en la cabeza y las lesiones no tratadas, ya sean conmociones cerebrales, son cosas invisibles que pueden convertirse en problemas de salud mental”.

A lo largo de la película se puede ver su surrealismo inconexo en su vestuario, pues aunque los personajes principales están comprometidos y enfocados en sus objetivos, son incapaces de distinguir lo que es real de lo que no lo es. Entonces Dawson y su equipo querían que el vestuario fuera más allá y expandiera esa historia de psicosis. El lugar de rodaje también contribuyó en gran medida al tono disfórico y al vestuario de la película. “Rodamos en Nuevo México, por lo que es este paisaje desolado. Después de comprender la geografía del escenario, profundizamos en la economía: ¿Dónde están estos personajes? ¿Qué los motiva? ¿Cuáles son sus deseos más profundos? ¿Cuáles son sus miedos? Y luego, ¿cómo se materializa eso?” ella dice

Sobre el proceso de diseño de vestuario para “Él”

Para lograr la narrativa de cada disfraz, Dawson y su equipo crearon mazos extensos que desglosaron la estética y el aspecto, incluidos los colores y texturas que esperarías ver para cada personaje. Los detalles van desde resaltar la alegoría bíblica reflejada en el guión haciendo referencia a colores como el azul, que representa el cielo, hasta extraer de la historia de Caín y Abel del libro bíblico del Génesis para describir visualmente la relación entre Cameron y su hermano mayor, Drew, interpretado por Geron McKinley. El equipo de diseño de vestuario también tuvo la difícil tarea de traducir metáforas matizadas en pantalla en elementos digeribles y comprensibles, como el simbolismo de las numerosas mascotas y máscaras a lo largo de la película.

Las máscaras de cerdo y las tres mascotas principales (Conqueror Larry, Tinsel Larry y Lone Star) no solo fueron un guiño a la cultura del fútbol, ​​sino que también revelaron temas de capitalismo, exceso y esclavitud. “Investigamos mucho sobre la historia de las mascotas y de dónde vinieron. Y muchas de las primeras mascotas que adoptaron los equipos eran definitivamente políticamente incorrectas. Las mascotas eran y son una caricatura de una cultura particular”, dice.

Dawson se asoció con el artista nativo americano Chanupa, que es de Nuevo México, para explicar cómo sería una mascota si los nativos americanos pudieran opinar en su construcción. “Después de eliminar lentamente elementos de la mascota de Larry el Conquistador, terminamos con este lanzamiento, que habla de la década de 1980, donde todo era exagerado, ya sabes, y el deslumbramiento de todo eso es de época”, comparte.

Además de las mascotas, se crearon y exhibieron máscaras de cerdo para enfatizar la conexión entre la piel de cerdo literal, un apodo popular para el fútbol, ​​y la definición bíblica de los cerdos como símbolos de impureza y corrupción moral. “Encontré esta imagen de piel de cerdo cruda y colgando. Es realmente caída y desconcertante. Así que quería mostrar lo desagradables que son, pero hacen este tipo de lavado de cara para que parezca que todo está bien. Así que usamos estas máscaras de silicona hechas a medida que habíamos construido con la compañía Matt Effects en Los Ángeles. Y luego, una vez que las obtuvimos, las cosimos sobre la piel vintage. Años 40”, comparte.

A la hora de vestir a los personajes principales, Dawson trabajó mano a mano con el director Justin Tipping, la directora de fotografía Kira Kelly y su diseñador de producción, Jordan Ferrer. Su idea para Wayans y Withers era que tuvieran una relación tensa pero simbiótica, que se mostraba en la pantalla a través de su ropa. “Mi misión era la idea de que el novato llegara a este mundo heredado, y luego también tuviera la cabra, que es Wayans. Él es el tipo que se ha sentido tan abrumado, ha logrado tanto, y ¿cómo establecemos esa yuxtaposición entre los dos? Queríamos asegurarnos de que realmente tuviera acceso a las piezas de la gira superior”, dice.

Para lograrlo, el equipo de diseño de vestuario trabajó con Klutch Athletics, marca de ropa deportiva fundada por Rich Paul, en colaboración con New Balance, así como con Brandon Maxwell, Balenciaga, Rick Owens, Fear of God y Michael Mann, propiedad de Black, además de Moncler, Coogi, Nike, Bottega Veneta y más. “Queríamos que estos diseñadores austeros mostraran siluetas muy extremas pero escasas. No se trata de cuerpo, sino de elecciones elegantes y audaces, y eso es lo que pretendíamos hacer con la mayoría del elenco”, dice.

Acerca de trabajar con Jordan Peele y Monkeypaw Productions

Dawson atribuye el éxito del diseño de vestuario de la película a la naturaleza creativa y colaborativa del equipo de Monkeypaw Productions. “Trabajar para Monkeypaw ha sido un sueño para mí. Es una compañía de producción con la que quiero seguir construyendo. Realmente abren la puerta a las ideas más amplias, extrañas y fuertes de Jay, y luego recortamos la grasa, la delicadeza y descubrimos qué será lo mejor para la historia. Nada está fuera de los límites. Y para mí, eso es genial, y es muy liberador crear un ambiente creativo y creativo para Jordan”. “La gente lo pone en esta caja de terror, pero para mí hace thrillers psicológicos. Es más cerebral, los temas que trata, y simplemente muestra lo que la humanidad es capaz de hacer”.

Sin embargo, incluso después de su excelente trabajo en esta película y otros proyectos notables como enjambre Protagonizada por Dominique Fishback, Dawson se siente desilusionada por la falta de oportunidades para varios diseñadores de vestuario. “La gente dice: ‘Oh, no hay tantas mujeres de color que sean diseñadoras de vestuario’. Eso no podría estar más lejos de la verdad; Hay muchísimos, pero mucha gente simplemente no lo sabe. Y de hecho soy parte de este gran colectivo de mujeres negras. Estamos en WhatsApp y el nombre del grupo es Black Costume Designers Unite, y constantemente compartimos información y recursos y nos ayudamos unos a otros”, comparte.

Continúa: “Estamos aquí, pero se trata de que los estudios y las grandes películas quieran explorar y tomar riesgos y ponernos en esas posiciones. Estamos listos, dispuestos y capaces. Rezo todos los días para que la gente comience a abrir puertas, y si no es así, que al menos nuestro trabajo hable por sí mismo y brinde más oportunidades”.

Sobre la necesidad de mantener la equidad salarial, la diversidad y la inclusión dentro de la industria del diseño de moda

Alayna Bell-Price, diseñadora de vestuario radicada en Los Ángeles y miembro del grupo Gremio de Diseñadores de Vestuario IATSE 892Junto con Dawson, comparte sus sentimientos. “Creo que hubo un momento pospandémico en el que la industria estaba muy centrada en la diversidad. Las personas de color nos abrieron puertas que nunca antes habían estado abiertas. Ahora, ese no es el caso. Siento que esas puertas se están cerrando lentamente”, comparte conmigo en un correo electrónico.

Según Bell-Price, la industria del entretenimiento y los sistemas de energía que la sustentan deben potenciar y potenciar constantemente elevar a los diseñadores de vestuarioempezando por la igualdad salarial. “Para empezar, paguennos de manera justa. Nuestro gremio ha llevado a cabo una excelente campaña sobre equidad salarial, y sí, hemos visto un aumento, pero no lo suficiente. Además, hemos visto un aumento en la visualización y publicación de nuestro trabajo, pero no en la recepción de crédito. Todos trabajamos duro para que nuestro arte aparezca en la pantalla, y si se comparte en las redes sociales, se exhibe en un museo, o tiene que ser creado a partir de una obra o un museo. 100% obtiene crédito”, dice.

El Gremio de Diseñadores de Vestuario IATSE 892‘s #DesnudosSinNosotros La campaña logró la paridad salarial en el contrato básico para los diseñadores de vestuario durante las negociaciones con la AMPTP. Sin embargo, continúan luchando por la equidad salarial para los asistentes de diseño de vestuario. Desafortunadamente, la tasa de escalamiento de un diseñador de vestuario (en su mayoría mujeres) es más de un 25% menor que la de otros jefes de departamentos creativos dominados por hombres.

En 1976, cuando el CDG se unió a IATSE, había una diferencia salarial de 375 dólares semanales entre los salarios del director de arte y del diseñador de vestuario. Después de más de 45 años, con un aumento salarial promedio anual del 3%, la disparidad ha aumentado a aproximadamente 950 dólares por semana (o 50.000 dólares por año). Según el Gremio de Diseñadores de Vestuario, los diseñadores de vestuario se encuentran en la mitad inferior de la escala salarial y ganan menos que los asistentes de otros jefes de departamento.

El Gremio de Diseñadores de Vestuario está formado por El 87% son mujeres y ganan hasta un 45% menos en la escala salarial del IATSE que los jefes de departamentos creativos de gremios dominados por hombres en 13 locales IATSE de Hollywood.

Dawson no podría estar más de acuerdo con el eslogan “NakedWithoutUs”, ya que cree que los diseñadores de vestuario son subestimados por sus incansables esfuerzos en la industria del entretenimiento. “Hay una frase que usa mi gremio de diseñadores de vestuario y es ‘está desnudo sin nosotros’. Para mí, los disfraces lo son todo porque, sí, puedes crear este hermoso elenco y un espacio lujoso para que existan. Pero sin esa ropa, son solo actores desnudos caminando diciendo líneas. Realmente es la ropa la que les ayuda a aprender a entenderse a sí mismos y a caminar con el personaje, cómo dura el personaje. Creo que el disfraz es fundamental y definitivamente no recibimos suficiente crédito por todo el amor que le ponemos”, afirma.