Las 10 mejores películas de terror, según Rotten Tomatoes

Cada año, parece que la lista de Rotten Tomatoes de las “Mejores películas de terror de todos los tiempos” circula en los foros de terror de Internet, y la gente está emocionada o consternada por la clasificación. La fuente de la frustración de estos últimos tiende a ser que las películas más nuevas reciben mucha más atención que los clásicos, que a menudo quedan en el camino (La cosa ocupa el puesto 142, por ejemplo, mientras que la película aparentemente olvidada de 2020 anfitrión ocupa el número 7). Hay tantas películas de terror geniales por descubrir que es casi imposible mirar una lista como esta y saber por dónde empezar, así que decidí destacar diez de ellas, todas con mi máxima recomendación.

A continuación puede encontrar diez películas que obtuvieron al menos un 90% de puntuación en Rotten Tomatoes. Por supuesto, hay docenas de películas de terror que se ajustan a este criterio, pero éstas en particular se sienten perdidas en la refriega de esta lista cada vez más polarizada. Para cada película, incluyo un avance y las razones por las que su horror continúa perdurando, a veces incluso décadas después.

Las películas de terror más aclamadas por la crítica sobre Rotten Tomatoes

El hombre de mimbre (1973)

69 comentarios: 91% de aprobación

Una piedra angular del subgénero del terror popular (una sección de la historia del cine de la que admito que no supe mucho hasta 2025), El hombre de mimbre se desarrolla como un misterio impregnado de ritos agrícolas y estacionales, estructurado en torno al viaje de un cristiano externo que se enfrenta a la cosmovisión cíclica y sensual de una cultura pagana. La película refleja las historias de conversión religiosa o peregrinaje al revés: Howie no es quien convierte a los demás, sino que se desestabiliza y lentamente se ve arrastrado a los rituales que lo rodean. Así, la película de Robin Hardy se vuelve inquietante de una manera que pocas películas de terror logran. No es la violencia lo que nos enfrenta, sino el gozo que vemos entre los paganos. Los aldeanos cantan, bailan, hacen el amor a plena luz del día, todo mientras el sargento Howie se queda mirando, horrorizado, en parte por su audacia o imprudencia, pero sobre todo por su libertad. Su fe promete la salvación a través de la negación. Y no ve que la negación es ya una especie de muerte.

Frankenstein (1931)

95 comentarios: 94% de aprobación

A pesar de la actuación legendaria de Boris Karloff, pensándolo bien frankensteinPienso menos en el monstruo y más en el hombre que lo creó. El Dr. Frankenstein busca descubrir la raíz de la vida no por crueldad, sino por una lamentable desesperación; un hambre de trascender sus propios límites, de jugar a ser Dios, de escapar de la banalidad, de las preguntas sin respuesta de la humanidad. Pero en su fallido intento de elevarse por encima de la vida y su creación, se olvida de vivir. Compare esto con la criatura, cuyos primeros pasos son hermosos mientras busca luz, calidez y conexión. Es inocente, hasta que el mundo jadea horrorizado, lo rechaza y le dice lo que realmente es. El monstruo se vuelve monstruoso sólo porque nadie lo tolera. Así que la tragedia de la película no es que el hombre interpretara a Dios, sino que no pudiera amar lo que creó. Te hace darte cuenta de que todos somos nuestros propios experimentos y que la única forma de sobrevivir a lo que hemos construido, de conservar nuestra humanidad, es dejar de huir de la criatura y finalmente tomar su mano.

La noche del cazador (1955)

87 comentarios: 93% de aprobación

Cuando piensas en películas de terror, te gusta. La noche del cazador no necesariamente viene a la mente. Sin embargo, pocas películas me asustan tanto como esta en blanco y negro. El villano, Harry Powell (interpretado por Robert Mitchum en una de las mejores actuaciones del cine), es aterrador, pero lo es más por la cantidad de verdad que se esconde en su interior. Sus manos, tatuadas de AMOR y ODIO, nos lo dicen todo: la guerra no está ahí fuera, sino dentro de nosotros. La película sólo le da una cara. Su oponente es Rachel Cooper (la sorprendente Lillian Gish), una mujer que protege a los niños perdidos de esta película, que trae la fe no como una ley sino como una cura. El director Charles Laughton toma esta idea y la convierte aterradoramente en un sueño febril andante, donde cada sombra esconde gracia y amenaza para dos niños que huyen de un monstruo. En todo momento conviven en un mismo marco la inocencia y el terror. Es este equilibrio, esta tensión entre el odio de Powell y el amor de Cooper lo que hace que la película parezca atemporal.

Kuroneko (1968)

24 comentarios: 96% de aprobación

De una manera inquietante que llega a definir la estética de Kaneto Shindō, la venganza se convierte en poesía. En su mejor película, Kuronekolo “sobrenatural” no es tratado como espectáculo sino como dolor, al que ahora se le ha dado forma. El “terror” de la película no es un espíritu malévolo, sino la ira de las mujeres brutalizadas por la guerra, que utilizan su presencia fantasmal para seducir y matar a los hombres responsables. Unidos por el amor al mundo que los traicionó, su furia todavía parece perversamente humana. Ver esta emoción intensificada de una manera tan serena es inquietante: los asesinatos se desarrollan como danzas y los fantasmas se deslizan a la luz de la luna, su dolor disfrazado de elegancia. Da miedo porque es tierno. Shindō se niega a separar el horror de la belleza. Cada movimiento se siente como una disculpa por lo que hay que hacer. Estas mujeres son monstruos porque el mundo no les dejó otra forma de existencia. Sin embargo, en sus rostros, a través de la visión de Shindō, podemos ver algo puro: la necesidad de ser vistos, de ser recordados, de ser sostenidos.

Suspiro (1977)

64 comentarios: 94% de aprobación

Ninguna película de terror (ni ninguna película, punto) ha capturado jamás la casa embrujada que cobra vida, el sueño febril que se niega a terminar con la energía de suspiros. A Dario Argento no le importa mucho la historia, por lo que se concentra en construir un mundo; una catedral de colores y sonidos vibrantes donde la lógica se disuelve y solo queda la sensación. El horror de la película no está en lo que vemos, sino en lo que sentimos. La belleza misma puede devorarnos. Argento elige abiertamente atraparnos en un universo regido por la estética, donde los colores de la vida y la muerte son indistinguibles. La película no está llena de muertes, sino de composiciones. Pero detrás de este espectáculo se esconde algo dolorosamente familiar: el miedo a ceder el control. Suzy (Jessica Harper) deambula por un mundo moldeado por un poder que no puede comprender. Para sobrevivir, debe dejar de intentar encontrarle sentido a todo y simplemente atravesar la aterradora pero embriagadora paradoja de que el arte y el mal a menudo surgen de la misma fuente; La única manera de entender la pesadilla es sumergirse en ella.

Casa (1977)

42 comentarios: 90% de aprobación

En una de las experiencias más singulares en el mundo del terror, Nobuhiko Ōbayashi -cuyo estilo aquí se caracteriza mejor, de manera bastante aterradora, como “tiempo de juego”- convierte la muerte en una bofetada, el horror en un collage, la memoria en una caja de juguetes encantada. Este tipo de tonterías no deberían funcionar, pero, como testificarán muchos fanáticos del culto de Jo, sí funcionan. Pero la razón de esto va mucho más allá del caos recubierto de caramelo de esta película, donde abundan las cabezas voladoras y los pianos devoradores de hombres. La verdadera conexión reside en la humanidad de casa. Ōbayashi hizo la película después de que su hija le dijera lo que más la asustaba, que no eran las cosas que entendemos en el día a día, sino lo inexplicable, los misterios de la vida que nunca podrían suceder, pero que a menudo parecían suceder. Entonces, a pesar de la anarquía que se muestra estilísticamente, el verdadero terror de esta película es puro, filtrado a través de la inocencia y la tristeza refractada hasta brillar.

Diabólico (1955)

88 comentarios: 95% de aprobación

Es cierto que me tomó algunas visitas para familiarizarme con diabólicodonde la razón se pudre en tiempo real. Henri-Georges Clouzot construye su suspense no a partir de sustos o violencia, sino de la lenta corrosión de la certeza. No es el asesinato lo que nos asusta, sino lo que sucede cuando el plan comienza a desmoronarse, cuando la lógica misma se vuelve en tu contra. Christina y Nicole creen que matar a Michel las liberará, sin darse cuenta de que la libertad basada en el engaño se convierte en otra prisión. Clouzot crea un mundo que enmarca la moralidad como un laberinto preciso, hermoso y despiadado que nos hace preguntarnos si la inocencia existió alguna vez. diabólico sigue siendo un clásico y perdura hasta el día de hoy no por su “giro” sino por su empatía por los condenados. La desesperada necesidad de Christina de creer que ha hecho lo correcto expone algo universal: nuestro deseo de controlar lo que es aceptable, de orquestar la vida con tanta precisión que nos sintamos en control de sus reglas y juicios.

X (2022)

230 comentarios: 94% de aprobación

La lucha de Maxine por vivir su vida al máximo se desarrolla muy bien en este retorcido campo de terror de uno de los grandes autores de terror modernos, Ti West, experto en utilizar las sangrientas ofertas del género para dar color y textura a estas batallas internas. Este slasher no trata tanto de sexo o violencia como de la dolorosa necesidad de ser visto, de sentirse vivo dentro de un cuerpo que siempre camina hacia la decadencia, todo lo cual se convierte en un comentario inequívoco sobre el género de terror: el sueño del estrellato del equipo porno y la obsesión de la pareja de ancianos por la juventud perdida se miran, cada grupo desesperado por salir del grupo. La historia en sí es tan entretenida, el metamensaje es tan profundo y los personajes son tan interesantes que casi olvidas que estamos siguiendo el viaje de una mujer hacia la estabilidad mental desde el principio. Pero al final, incógnita Seguro que deja huella. Y después de eso, me sorprende que más películas no puedan lograrlo.

La hora del lobo (1968)

26 comentarios: 92% de aprobación

Los monstruos de las pinturas de Johan Borg a La hora del lobo no son símbolos, sino confesiones, arrastrándose de sus lienzos, sentados a su mesa, susurrándole sus fracasos; Esta es probablemente la forma más sucinta de resumir toda la estética oscura de Ingmar Bergman. Te hace preguntarte si La hora del lobo—que convierte la creatividad en algo inquietante y el arte en una autopsia— es verdaderamente la “única película de terror” de Bergman, como muchos afirman. Este tipo de horror surge porque se niega a distinguir el genio de la enfermedad. Las visiones de Johan son grotescas, pero familiares. ¿Son reales los fantasmas? ¿O son simplemente el costo de hacer algo hermoso? Esta película trata sobre el momento en que la creación se vuelve caníbal: cuando el arte deja de expresar dolor y comienza a devorarlo. Este tipo de experiencia te desafía a no huir de tus miedos, sino a traducirlos en significado, a pintar tus pesadillas hasta que tengan sentido, incluso si nunca lo tienen, incluso si los monstruos se niegan a irse.

Ojos sin rostro (1960)

61 comentarios: 97% de aprobación

Es tentador intentarlo ojos sin rostro como una obra moral sobre la obsesión, pero para mí es más una meditación sobre la identidad y la visibilidad; sobre cómo ser visto se convierte en su propia forma de horror. A través de esta lente, la película de Georges Franju se convierte en una premonición de un mundo moderno donde los rostros definen la existencia, donde perder la cara es borrar. La máscara de Christiane no es sólo un ocultamiento, es un comentario; es la cara que la sociedad elige darte cuando ya no se ajusta a nuestro estándar de belleza. Su tragedia no es la desfiguración, sin embargo invisibilidad. El Dr. Genessier, disfrazando el conformismo social como amor, intenta arreglar lo que el mundo dice que está roto, obligando a Christiane a la tiranía de las apariencias. Así, cada cirugía se convierte en un acto de violencia contra la autenticidad. Para una película de terror, rara vez hay gritos, casi ningún frenesí, sólo el lento ritmo de la negación cuando un médico elige embalsamar la vida en lugar de restaurarla.